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2025年【上音711音乐学综合理论】真题解析！
名词解释（6选5 共30分）
中国音乐史
1.贾湖骨笛
贾湖骨笛是中国远古时期的乐器，出土于河南舞阳贾湖遗址。骨笛主要是用鹤类尺骨制成，大多钻有7个孔，在当时可能是用于原始乐舞等活动。贾湖骨笛具备音阶结构，部分骨笛能吹奏出完整的七声音阶，这表明当时人们已经有了相当高的音乐水平和音准概念。它是中国目前发现的最古老的乐器，对于研究中国古代音乐起源、发展以及当时的社会文化、工艺制作水平等诸多方面都有着极其重要的价值，为中国音乐史提供了珍贵的实物资料。
2.《碣石调·幽兰》
《碣石调·幽兰》是中国现存最早的古琴曲谱，也是唯一所见的减字谱发明前保存于文字谱上的乐谱。相传为孔子所作，传自南朝梁代隐士丘明。曲名中的“碣石调”可能是当时碣石舞曲调，“幽兰”则指乐曲所描写的内容。该曲曲调清丽委婉，节奏缓慢，通过描绘空谷幽兰的清雅素洁及静谧悠远，表达了抑郁伤感的情绪以及作者虽不被重用但并不颓丧的感情，蕴含着古代文人雅士孤芳自赏、追求高洁的精神境界。
3.儿童歌舞剧
儿童歌舞剧是一种专为儿童创作的综合性艺术形式。它融合了音乐、舞蹈、戏剧等多种艺术元素。在内容上，以儿童的生活、情感、幻想等为主题，故事简单易懂且富有童趣，如黎锦晖的《小小画家》。其音乐旋律轻松愉快、节奏鲜明，易于儿童理解和传唱，能够配合剧情发展，强化情感表达。舞蹈动作也符合儿童的生理特点和审美需求，帮助塑造角色形象。儿童歌舞剧的目的是通过这种生动活泼的形式，对儿童进行艺术启蒙、品德教育，培养他们的审美能力、想象力和创造力，深受儿童的喜爱。
4.坐立部伎
坐立部伎是唐朝宫廷乐舞的两大类别。坐部伎在堂上表演，人数较少，一般为3 - 12人。其表演的节目艺术性较高、舞蹈技巧复杂，风格相对精致细腻。舞者的身份地位也较高，表演时观者能够近距离欣赏舞者的细微动作和表情。立部伎在堂下表演，人数较多。规模宏大，气势磅礴，主要侧重于展现壮观的场面和整齐的队列变化，舞蹈动作较为简单直接，通常用于大型庆典等场合。坐立部伎的设立体现了唐朝宫廷乐舞的高度组织性和分类细致的特点，也反映出当时宫廷音乐舞蹈的繁荣状况。
5.《嘉陵江上》
《嘉陵江上》是一首著名的抗日救亡歌曲。这首歌由端木蕻良作词，贺绿汀作曲。歌词以第一人称的视角，通过对失去的家乡嘉陵江沿岸的描述，抒发了东北流亡民众对故土的深切思念和对侵略者的愤恨之情。旋律吸取了西方歌剧咏叹调与朗诵调的特点，具有浓郁的抒情性。它既有叙事的部分，又有激昂的情感宣泄，将悲愤、怀念等复杂情绪交织在一起。歌曲充分体现了当时中国人民在抗日战争时期不屈的精神和收复失地的坚定信念，传唱范围广泛，在抗日救亡运动中发挥了激励人心的巨大作用。
6.麦新
麦新是中国近代著名的音乐家。原名孙培元，主要活跃在抗日救亡时期。在音乐创作方面，他的作品极具战斗性。代表作《大刀进行曲》慷慨激昂，节奏鲜明有力，生动地展现了抗日军民奋勇杀敌的英勇气概。歌曲以其强烈的感染力和号召力，成为鼓舞全国人民抗日斗志的经典战歌。麦新还积极从事群众歌咏活动的组织和宣传工作，为抗日救亡歌咏运动的蓬勃开展作出巨大贡献。他的音乐风格刚健质朴，体现了时代的精神风貌，是中国近现代音乐史上重要的人物，其作品激励无数人投身抗日斗争。
中国传统音乐
1.北昆
北昆即北方昆曲，是昆曲的一个重要流派。它主要流行于北京、天津及河北等地。北昆在艺术风格上有着鲜明的特点，相较于南昆，其唱腔更加激昂慷慨、豪放壮美。在表演方面，动作幅度较大，表演风格较为粗犷，具有浓郁的北方特色。北昆的剧目丰富，许多是继承了传统昆曲剧目并加以改编。它的乐队编制在保留昆曲传统乐器的基础上，也适当融合了一些北方乐器，使音乐更加丰富。北昆在传承和发展昆曲艺术、传播戏曲文化等方面发挥着重要作用，是中国戏曲宝库中璀璨的明珠，深受北方观众的喜爱。
2.四川清音
四川清音是流行于四川地区的曲艺品种。它历史悠久，其起源可追溯到明清时期。演唱形式多样，过去多为坐唱，演员自弹自唱，后来发展为站唱等形式。四川清音的唱腔丰富，有【大调】和【小调】之分。【大调】包括“勾调”“马头调”等，结构复杂，旋律性强；【小调】如“鲜花调”“长城调”等，更加活泼灵动。其曲目内容广泛，涵盖了民间传说、爱情故事、生活趣事等诸多题材。在乐器伴奏方面，主要有琵琶、二胡、竹鼓等。四川清音以其优美的唱腔、丰富的内容和浓郁的地方特色，深受当地群众的喜爱，是四川曲艺文化的重要代表之一。
3.减字谱
减字谱是中国古琴记谱法的一种。它由文字谱发展而来。减字谱是将古琴文字谱的指法、术语减取其较具特点的部分组合而成，用独特的减字拼成符号记录左手按弦指法和右手弹奏指法。例如，一个减字符号就能表示弦位、徽位、指法等多种信息。这种记谱法具有简洁明了的特点，它能够准确记录琴曲的音高、音色、节奏等诸多要素。由于其简便性，极大地推动了古琴音乐的记录与传承，使琴曲得以广泛流传，众多经典琴谱都采用减字谱记录，为中国古琴文化的传承和发展起到了不可磨灭的贡献。
4.谣曲
谣曲是一种民间歌曲体裁。它通常具有简单易记的旋律和通俗易懂的歌词。在形式上比较自由，节奏往往较为规整，便于传唱。谣曲大多是人们在日常生活、劳动过程中口头创作并传承的，反映了广大民众的生活情感、风俗习惯和社会风貌等诸多内容。例如，有反映劳动场景的劳动谣曲，在田间地头传唱，协调劳动节奏；还有表达爱情的情歌谣曲，倾诉男女之间的爱慕之情。谣曲一般是口口相传，地域风格鲜明，不同地区的谣曲在旋律、歌词和演唱方式上会因当地的语言、文化等因素而呈现出不同的特色，是民间文化的重要载体。
5.丝竹合奏乐
丝竹合奏乐是中国传统器乐合奏形式之一。“丝”主要指拉弦乐器和弹拨乐器，如二胡、琵琶等；“竹”主要是指竹制吹奏乐器，像竹笛、箫等。这些乐器组合在一起，通过巧妙的配合演奏出美妙的音乐。丝竹合奏乐音色细腻、柔和，具有浓郁的江南水乡风格。其音乐风格轻快活泼、婉转悠扬，演奏时注重各乐器之间的相互交融、你进我退的和谐关系。常见的曲目有《欢乐歌》《云庆》等。这种合奏形式常在民间的婚丧嫁娶、节日庆典等场合演奏，深受广大群众喜爱，是中国传统音乐文化中极具特色的一部分，体现了中国古代音乐演奏的高超技艺和艺术美感。
6.清锣鼓
清锣鼓是中国传统器乐合奏形式之一。它是纯粹用打击乐器演奏的音乐，不用管弦乐器。演奏的乐器主要包括鼓、锣、钹、木鱼等多种打击乐器。清锣鼓的节奏丰富多变，从简单的节奏型到复杂的节奏组合都有。它可以通过不同乐器的音色、力度和节奏的对比变化来进行演奏，如鼓的厚重、锣的明亮、钹的清脆交织在一起，营造出热烈、激昂或者神秘等多种不同的氛围。其曲目风格多样，有的用于民间庆典、祭祀等仪式场合，增添庄重、欢快的气氛；有的则是作为独立的艺术表演形式，展示打击乐的独特魅力，体现了中国传统打击乐的高超技艺。
西方音乐史
1.《幻想交响曲》(出过标题交响曲)
《幻想交响曲》是法国作曲家柏辽兹于1830年创作的交响曲。它是音乐史上极为重要的交响乐作品，也是典型的、成熟的标题交响曲。全曲共五个乐章，分别为“梦幻与热情”“舞会”“在田野”“赴刑进行曲”“女巫的安息日夜宴之梦”。柏辽兹为每个乐章加上说明性标题，并在曲首有介绍性文章，还运用了“固定乐思”，以爱情为主题，用浪漫主义幻想的形象，表现了作曲家本人恋爱的体验，极富独创性，开创了自由浪漫主义音乐的道路。
2.抒情歌剧
抒情歌剧形成于19世纪后半叶的法国，是一种规模介于大歌剧与轻歌剧之间的歌剧形式。它的篇幅比一般喜歌剧长，但没有大歌剧的浮华。风格轻松愉悦，类似喜歌剧，重视对人物心理及情感的细致刻画，经常安排大歌剧形式所必备的舞蹈场面，内容多采用文学名著中有关爱情的情节，音乐为常见的歌曲、舞曲和进行曲，注重抒情旋律的感染力，以说白代替宣叙调。代表作品有古诺的《浮士德》《罗密欧与朱丽叶》，马斯涅的《曼侬》《泰伊斯》等。
3.瓦格纳(大题提到)
德国作曲家、剧作家。他是浪漫主义时期的重要代表人物，以乐剧创作著称，主张 “整体艺术”，将诗歌、音乐、舞蹈等多种艺术形式融合。其作品规模宏大，如四联歌剧《尼伯龙根的指环》，采用 “无终旋律”“主导动机” 等创新手法，极大地拓展了歌剧的表现力，对后世音乐的发展产生了深远影响，但他也因一些争议性的政治和民族主义观点而备受争议。
4.帕莱斯特里纳
帕莱斯特里纳指乔瓦尼·皮耶路易吉·达·帕莱斯特里纳，是意大利文艺复兴时期杰出的作曲家，罗马乐派的代表人物。他主要创作宗教音乐，有弥撒曲104首、经文歌250首等。其音乐技法严格遵循天主教复调音乐创作原则，结构严谨、声部均衡、音响纯净，开创了庄严明净的无伴奏合唱风格，被视为16世纪“古式风格”的典型，对天主教教堂音乐的发展及后世作曲家产生了深远影响。
5.清唱剧
清唱剧是一种大型声乐套曲。起源于16世纪末的意大利，与基督教密切相关。其结构与歌剧相似，包括抒情调、独唱、二重唱、朗诵调、合唱、序曲和其他器乐曲等，也有故事情节和角色分配，但演员不化装、不表演、无舞台布景，演唱者一直在台上，无出入场等戏剧化动作，且合唱比重较大。通常以宗教故事为主要题材，如亨德尔的《弥赛亚》、巴赫的《马太受难曲》等，也有表现重大历史或现实题材的作品。
6.六人团
六人团是指20世纪前期法国的六位作曲家，分别是奥里克、迪雷、奥涅格、米约、普朗克、塔勒费尔。他们奉萨蒂为宗师，反对印象派和瓦格纳派音乐，提倡简洁、鲜明的风格，有复古倾向，大多倾向于新古典主义。其中，奥涅格的风格倾向于德奥后浪漫主义。六人团的代表作品有米约的歌剧《奥菲欧的不幸》《奥雷斯忒斯》，奥涅格的管弦乐曲《太平洋231》，普朗克的歌剧《加尔默罗会修女的对话》等。
世界音乐史
1.Sitar(西塔尔)
西塔尔是印度拨奏弦鸣乐器，也被称为锡塔琴。琴身呈梨形，由掏空的木头或葫芦和木制的音板组成，琴颈长，指板有16至18个可移动的环形金属品，有4至7根金属弦和两根持续音弦，下面还有11至13根金属共鸣弦。演奏者左手按弦，右手用带在食指上的拨子拨奏，音色柔美、珠圆玉润，能表现出如怨如诉、婉转曲折的旋律，音域达3个八度，多用于北印度古典音乐的独奏或伴奏，是印度最重要及最流行的传统乐器之一。
2.Vimbuza Healing Dance(维布扎治疗舞蹈仪式)
维布扎治疗舞蹈仪式是流行于马拉维北部通布卡族的一种传统舞蹈仪式。它是班图语非洲地区一种治疗传统的重要体现，可追溯到19世纪中叶。通常由村里的妇女和孩子围着渐入迷狂状态的病人，演唱呼唤神灵的特殊歌曲，男性则击鼓伴奏，有时也有男性医师参与。人们相信病人通过神灵附体的癫狂状态，可以表达自己经受的精神折磨，在其他医术无效时，该仪式可作为一种有益补偿。2008年，它被联合国教科文组织列入人类口头和非物质文化遗产代表作名录。
3.Angklung(安格隆)
安格隆是源于印度尼西亚的摇奏体鸣乐器。通常在竹制框架上穿以2至3根长短粗细不等、音高彼此相距8度的竹筒，竹筒上端削成长舌性，下端呈凹性，插入框架底部粗竹筒的长方形槽内，演奏时前后摇动框架，使架上竹筒撞击槽壁发音，清脆悦耳。最初为节奏乐器，后经改良按十二平均律定音并组合成套。它还具有两种演奏方式，摇奏式安格隆用于演奏长的持续音，击奏式安格隆则用于演奏短的单音。安格隆在东南亚地区广泛流行，是当地艺术演出、校园联欢等活动中常用的乐器。
4.Chopi Timbila(朝比木琴音乐)
Chopi Timbila是莫桑比克南部印海班省的确皮族的传统木琴音乐。其乐队通常由五到三十个名为Timbila的木琴组成，规模可大可小。音乐在每年的婚礼等重大社区节日中演奏，时长约一小时，包括独奏和乐队合奏等形式，节奏复杂多变。演奏时，还伴有2到12人在乐队前表演的Timbila舞蹈，舞蹈者会唱充满幽默和讽刺意味的诗歌，反映当代社会问题。它被联合国教科文组织列入人类口头和非物质文化遗产代表作名录。
5.Hurdy-gurdy(轮擦提琴)
Hurdy-gurdy即轮擦提琴，是一种古老的弦乐器。其起源可追溯到中世纪的欧洲，由琴身、键盘、木轮和琴弦等部分组成。演奏时，右手转动曲柄带动涂有松香的木轮摩擦琴弦发声，轮子的功能类似小提琴的琴弓，左手则通过按键盘上的键来改变音高。它在不同地区有不同的称呼，如法国的vielleàroue、匈牙利的tekerőlant和西班牙的zanfoña等，常出现在民间音乐、中世纪、文艺复兴或巴洛克音乐等早期音乐环境中。
6.Powwow(帕瓦仪式舞)
Powwow最初源自纳拉甘塞特语的“powwaw”，意为“精神领袖”或“有洞察力的人”。在美洲原住民文化中，Powwow指的是一种传统的聚会活动，包括舞蹈仪式等。传统上，它既指美国土著萨满巫师，也指由萨满巫师主持的疗愈或狩猎仪式。如今，Powwow已演变成印第安人的狂欢节日，各部落的印第安人会聚集在一起，共同分享音乐、舞蹈、艺术以及资源，通过歌舞表演和比赛，达到对本民族群众进行传统文化教育和向其他民族的人民宣传印第安人文化的目的。
音乐心理学
1.音强绝对阈限
音强绝对阈限是指在安静环境中，人耳刚能听到声音所具有的最小声强水平。它是衡量人耳对声音强度感知能力的一个重要指标，通常以分贝（dB）为单位进行测量。不同频率的声音，其音强绝对阈限不同，一般在中低频段听觉灵敏度最高，阈限最低，随着频率向两端改变，阈限都会提高。音强绝对阈限因人而异，且会受到年龄、听力状况、环境噪音等多种因素的影响。
2.听觉疲劳
听觉疲劳是指听觉系统在长时间受到高强度声音刺激后，出现的听觉功能下降现象。比如长时间处于机器轰鸣声、高分贝音乐环境中，或长时间佩戴耳机听音乐等，都可能引发听觉疲劳。主要表现为听力下降、耳鸣、头痛、对声音方向和位置的辨别能力下降等。通常是暂时的，在停止刺激、让听觉系统得到充分休息后，听力一般可逐渐恢复，但如果疲劳持续存在或加重，可能会导致永久性听力损伤。
3.音乐审美
音乐审美是指审美主体对音乐艺术进行感知、体验、联想、想象、分析、评判和再创造的心理过程。它以音乐作品为审美对象，通过听觉感受音乐的旋律、节奏、和声、音色等要素，体会其中蕴含的情感、意境和思想内涵，从而获得美感和精神上的愉悦。音乐审美不仅是对音乐美的欣赏和享受，还包括对音乐作品的理解、评价以及个人音乐审美情趣和能力的培养，是一种主观的、情感性的精神活动，能陶冶情操、提升素养和丰富精神世界。
4.声音
声音是由物体振动产生的声波，通过气体、液体或固体等介质传播，并能被人或动物的听觉器官所感知的物理现象。在物理学中，它以声波形式存在，其特性包括频率、振幅、波长等，频率决定音调高低，振幅决定响度大小，不同的波形则决定了音色。在人类生理学和心理学中，声音是大脑对声波的接收和感知。只有频率在大约20Hz和20kHz之间的声波才能引起人类的听觉感知，20kHz以上的声波称为超声波，低于20Hz的声波称为次声波。
5.灵感思维
灵感思维是指人们在科学研究、艺术创作等活动中，大脑皮层高度兴奋时突然涌现、瞬息即逝的一种特殊思维形式。它具有突发性、偶然性、创造性等特点，通常是在长期对问题思索无果的情况下，因受到某一事物的启发而瞬间顿悟，使问题得到解决。灵感思维不是逻辑思维和形象思维的简单延续，而是潜意识与显意识相互作用、相互贯通的结果，能带给人们渴求已久的智慧之光和独特新颖的思路。
简答题（3选2 共30分）
中国音乐史
1.请简述赵元任的生平和音乐创作
赵元任是中国现代语言学和现代音乐学的先驱。赵元任出生于1892年，江苏常州人。他自幼聪慧，有着深厚的国学基础。青年时期赴美留学，学习数学、物理等诸多学科，后又对语言学产生浓厚兴趣，在语言领域成就卓越。他精通多种语言，曾在多所知名大学任教，其语言研究成果对中国语言学的现代化进程起到了巨大的推动作用。他历经中国社会的诸多变革时期，见证了时代的沧桑变迁，在不同的文化交流碰撞环境下，也为其音乐创作带来了多元的灵感。
在音乐创作方面，他创作了大量优秀作品。一是在歌曲创作上，他借鉴西方作曲技术，融入中国传统音乐元素。如《教我如何不想他》，这首作品旋律优美动听，歌词诗意盎然，巧妙地运用了西方的转调手法，又结合中国传统音韵，在当时引起了很大的反响。歌曲通过对自然景象等的描绘，含蓄地表达出深深的思念之情。他还创作了许多具有民族风格的合唱作品。这些作品在和声配置、旋律写作等方面都具有创新性。例如他对中国传统的五声音阶等进行了新的探索，在合唱中注重不同声部之间的和谐，同时体现中国音乐特色。赵元任的音乐创作对中国现代音乐的发展产生了深远的影响，为中国音乐的民族化和现代化之路进行了积极的探索。
2.请简述明清时期说唱音乐的发展
明清时期是说唱音乐蓬勃发展的阶段。
在明代，说唱音乐种类逐渐增多。一些古老的说唱形式如陶真依然在民间流传，其表演形式简单，多为盲艺人在街头巷尾演唱，内容通俗易懂，很受普通民众欢迎。同时，词话也比较流行，它的题材广泛，包括历史故事、民间传说等，有说有唱，为说唱音乐的发展奠定了基础。
到了清代，说唱音乐迎来繁荣时期。首先，南方的弹词发展成熟。弹词以琵琶、三弦等乐器伴奏，主要流行于江苏、浙江一带。像苏州弹词，其唱腔婉转细腻，流派众多，如陈遇乾的陈调、俞秀山的俞调等。各流派在唱腔风格、表演方式上各有特色，推动了弹词艺术的进步。其次，北方的鼓词兴起。鼓词以鼓、板击节说唱，内容多为长篇历史故事，如《杨家将》等。西河大鼓、京韵大鼓等都是鼓词的重要分支。京韵大鼓在清末民初由木板大鼓改革而来，融合了京剧唱腔等元素，其代表人物刘宝全对该艺术的发展贡献巨大，使京韵大鼓在唱腔、表演等方面更加完善。
明清时期说唱音乐的发展，不仅丰富了民间艺术形式，也为近现代说唱音乐的进一步发展提供了丰富的遗产，使其成为中国传统音乐文化中极具活力的部分。
中国传统音乐
1.请简述民间器乐的音乐特征
一、地域性特征明显：不同地区的民间器乐风格迥异。例如，江南丝竹音乐风格清新、柔和、婉转。乐器组合多为二胡、琵琶、竹笛等，演奏的曲目如《欢乐歌》，旋律线条优美，如同江南水乡的风景一样细腻，体现了江南地区的婉约气质。而北方鼓吹乐则具有粗犷、豪迈的特点，以唢呐、锣鼓等乐器为主，在婚丧嫁娶等场合演奏，其声音响亮、气势宏大，像河北吹歌，节奏鲜明有力，带有北方人民爽朗的性格特征。
二、与民间生活紧密相连：民间器乐在各种民俗活动中扮演重要角色。在传统节日里，如春节期间的舞龙舞狮队伍通常伴有锣鼓等器乐演奏，通过节奏强烈的音乐营造热闹的节日氛围。在民间婚丧嫁娶仪式中，器乐更是不可或缺。婚礼上的喜乐、葬礼上的哀乐，都借助器乐来表达情感。另外，民间器乐还与民间舞蹈结合，像一些少数民族的舞蹈有专门的器乐伴奏，如朝鲜族的长鼓舞，其鼓乐节奏与舞蹈动作紧密配合，体现了民间艺术的综合性。
三、具有即兴性特点：民间器乐演奏者在演奏过程中常常会根据现场的气氛、听众的反应以及自己的情绪进行即兴发挥。例如在民间的器乐合奏中，乐手们可能会对旋律、节奏、装饰音等进行即兴的变化和加花处理，使每次演奏都带有独特的个性，增加了民间器乐的灵活性和趣味性。
四、传承性强且风格相对稳定：民间器乐大多通过口传心授的方式传承，在传承过程中保持了其基本的风格和特色。虽然会随着时代有所变化，但核心的音乐风格和演奏技巧能够代代相传。比如许多古老的器乐演奏曲目和演奏方法在经历了漫长的时间后，依然保留着传统的韵味。
2.请简述民间歌曲的音乐特征
民间歌曲具有以下多种音乐特征：
一、口头性与集体性：民间歌曲是人民群众在生活中口头创作并传承的。它经过了无数人的传唱和修改，凝聚了集体的智慧。例如劳动号子，是劳动者们在集体劳动过程中即兴创作的，大家口口相传，通过不断的传唱逐渐形成相对固定的曲调与歌词。这种口头性使得民间歌曲易于传播，能在民间广泛流传。
二、地域性鲜明：不同地区的民间歌曲具有不同的风格。北方的民歌如陕北民歌，风格豪放、粗犷。像《信天游》，旋律高亢、嘹亮，歌词直白，具有浓郁的黄土高原风情。而南方的民歌则较为婉转、细腻。例如江苏民歌《茉莉花》，旋律优美，节奏平稳，如同江南水乡的景色一样柔美，体现了江南地区的文化特色。这种地域差异是由各地不同的地理环境、风俗习惯、语言等因素造成的。** 三、与生活紧密相连：民间歌曲反映了人民生活的方方面面。劳动歌曲伴随着劳动场景产生，像船夫号子是船夫们在行船时唱的，其节奏与划船的动作相配合，起到统一节奏、鼓舞士气的作用。情歌则表达了男女之间的爱慕之情，如云南民歌《小河淌水》，用抒情的旋律唱出了姑娘对阿哥的思念。还有儿歌、风俗歌等，都是和特定的生活场景或社会习俗紧密相关。
四、旋律简单易记：为了便于传唱，民间歌曲的旋律通常比较简单，音域相对较窄。其节奏也较为规整，以自然的节拍为主。比如许多民谣采用二拍子或四拍子，让人们能够轻松地跟唱。而且，歌词通俗易懂，常常使用当地的方言，充满生活气息，使听众能够快速理解歌曲的含义。
西方音乐史
1.请简述贝多芬交响曲领域的音乐创作
贝多芬在交响曲领域的艺术成就卓越非凡，主要体现在以下几个方面：
结构创新
扩充乐章规模：贝多芬从《第三交响曲“英雄”》开始，将谐谑曲引入交响曲的第三乐章，取代了具有宫廷典雅气质的小步舞曲。在《第九交响曲“合唱”》中，更是打破常规，在第四乐章加入合唱，将人声与交响乐队完美结合，极大地扩大了作品的表现力，使交响曲的结构和形式更加丰富多样。
扩展奏鸣曲式：他把第一乐章的规模扩大，特别是扩充了展开部，使其成为烘托作品内在矛盾、动力性张扬和戏剧性冲突的重心，同时又能保持全曲的严谨统一，让音乐的发展更具逻辑性和连贯性。
主题与旋律发展：贝多芬的交响曲主题简洁而深刻，具有强烈的象征意义和情感内涵，如《第五交响曲“命运”》开头的四个音符，象征着“命运的敲门声”，这种简洁有力的主题为音乐的扩展和发展提供了无限的可能。他的旋律继承了海顿式动机展开的手法，吸收了莫扎特旋律的深情，形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征，通过对主题的重复、变奏和发展，展现出丰富的音乐形象和情感变化。
节奏与和声创新
节奏变换：贝多芬在节奏上频繁变换，运用切分和休止等手法，营造出强烈的动力性和不平衡感，使音乐充满了活力和激情，增强了音乐的戏剧性和感染力。
和声运用：和声的不谐和与调性的不稳定等因素的范围逐渐扩大，丰富了音乐的色彩和表现力，为音乐增添了紧张、冲突和宏大的氛围。
情感表达与思想内涵：贝多芬的交响曲展现了从斗争到胜利，从黑暗到光明，从苦难到欢乐的精神历程，表达了他对自由、平等、博爱的追求和对人类命运的深刻思考，如《第九交响曲“合唱”》传达了全人类团结和兄弟情谊的崇高理念，使交响曲不仅是音乐的盛宴，更是思想的启迪和精神的慰藉。
2.请简述肖邦钢琴曲领域的音乐创作
肖邦是19世纪波兰伟大的作曲家、钢琴家，被誉为“浪漫主义钢琴诗人”和民族乐派的先驱。 其音乐创作具有以下特点：
体裁丰富：肖邦的作品几乎全部为钢琴曲，涵盖了夜曲、玛祖卡舞曲、波罗乃兹舞曲、前奏曲、谐谑曲、即兴曲、叙事曲、练习曲、圆舞曲等多种体裁。如《降e大调夜曲》旋律悠长、速度缓慢、如诗如歌，充满激情和内在张力；《幻想即兴曲》是其最具炫技性的即兴作品之一；《a大调“军队”波兰舞曲》节奏鲜明、气势磅礴，被称为“波兰荣耀的象征”。
民族性突出：他以波兰民间歌舞为基础，将民族音乐与欧洲音乐相融合，创造出了具有波兰民族特色并带有世界性的音乐。玛祖卡舞曲以波兰民间舞曲为素材，民族色彩鲜明，乡土气息浓厚；波罗乃兹舞曲则被肖邦用来表达对国家斗争的关心，展现出悲哀、忧郁、慷慨、激昂等情绪。
旋律优美：其旋律抒情流畅，具有丰富的歌唱性，如同艺术歌曲一般，精美的旋律比比皆是，这受意大利歌剧的影响。他通过力度的层次安排及乐句的松弛控制等技巧，使钢琴能像弦乐乐器或人声一样具有呼吸的良好“歌唱”能力。
和声创新：肖邦的和声运用十分大胆且丰富，不仅以传统为基础，而且与民族音乐密切相联，开拓的和声境界远远超过了当时的传统界限，为后世作曲家如瓦格纳、弗朗克、福雷、德彪西等产生了不同程度的影响。
节奏独特：肖邦对节奏的要求非常独特，节奏韵律自由不拘，他对“自由速度”进行了大胆探索，这种特殊的音乐形式表现了浪漫主义的幻想色彩。
情感真挚：肖邦的音乐充满了对祖国波兰的热爱和思念，以及对民族命运的忧虑和悲愤，同时也有对爱情、生活的感悟和体验，如《革命练习曲》饱含着对祖国沦陷的悲愤和对侵略者的仇恨。
世界音乐史
1.简述世界音乐研究的学术价值和文化意义
学术价值
跨学科性：世界音乐研究涉及音乐学、人类学、社会学、心理学等多学科领域，通过跨学科的交叉融合，能更全面、深入地了解世界各地音乐文化的多样性，促进不同学科间的交流互动，拓宽学术研究视野。
丰富研究方法：为音乐研究提供了多元的研究方法和视角，如民族志方法、田野调查等，有助于深入挖掘音乐背后的文化内涵和社会意义，推动音乐学理论和方法的创新发展。
推动音乐教育国际化：通过对世界各地音乐文化的研究，可以让人们更好地了解不同国家和地区的音乐教育体系、教学方法和人才培养模式，促进国际间的音乐教育交流与合作，提高我国音乐教育的国际化水平。
文化意义
促进文化多样性：研究世界音乐可让人们更好地了解不同文化的特点和精髓，增强对多元文化的认识和尊重，促进不同文化间的交流和互鉴，保护和传承世界各地的音乐文化遗产，避免文化单一化。
增强文化自信：在研究世界音乐的过程中，也能深入挖掘和展示本国音乐文化的独特魅力和价值，促进中华文化的传承和发展，为弘扬中华文化、增强文化自信提供新的动力和思路。
促进国际理解与合作：音乐作为一种跨越语言和文化障碍的艺术形式，世界音乐研究有助于消除文化隔阂，增进不同国家和民族之间的相互理解和友谊，为国际间的文化交流、合作与和平共处创造良好的条件。
2.简述图瓦音乐的特点及其文化属性
图瓦音乐具有以下特点：
发声技巧独特
以呼麦为代表，包含卡基拉、西奇等技法，演唱者可同时发出两个或两个以上不同音高频率的声音，产生神奇的和声效果，如恒哈图乐队成员能发出山川呼麦、平原呼麦等不同效果的呼麦，有时听起来似鸟鸣，有时如笛声。
旋律与节奏丰富
旋律多源于对自然声音的模仿和对游牧生活的感悟，深沉舒缓、悠扬婉转，如《喀纳斯河的波浪》。节奏复杂多变，有时还会进行固定的节奏循环，与旋律配合紧密，富有强烈的感情表达和情感传递。
乐器音色独特
图瓦传统乐器丰富多样，如叶克勒、哈普赤克、牛犊琴、托布秀尔等，这些乐器取材于自然，其声音空灵、神秘，与自然交响，如叶克勒是马头琴的前身，哈普赤克是用牦牛睾丸皮制成的打击乐器。
文化属性
游牧文化：图瓦人是游牧民族，其音乐与游牧生活紧密相连，歌唱着马背上的生活、英雄们的事迹、纯真的爱情等，是对游牧生活的生动写照和情感表达。
萨满文化：图瓦的传统信仰是萨满教，音乐在萨满教的仪式中扮演着重要角色，如呼麦等歌唱形式被认为可以与神灵沟通，传达人们对神灵的祈求和敬意。
民族精神象征 ：图瓦人将呼麦等音乐文化视为“民族魂”，是民族身份和文化认同的重要标志，承载着图瓦人的历史、传统和价值观，通过代代相传，保留了民族的记忆和精神。
音乐心理学
1.音乐审美的过程与效应
音乐审美通常包括以下过程：
官能欣赏阶段
这是最基础的阶段，主要满足于悦耳，欣赏者仅从生理层面感受音乐，对音乐的节奏、旋律、和声等元素产生直觉反应，比如听到欢快的节奏会不自觉地感到愉悦，听到舒缓的旋律可能会放松身心，是一种比较肤浅的欣赏，但却是进入更高层次欣赏的前提。
感情欣赏阶段
在官能欣赏的基础上，欣赏者开始对音乐所表达的情感产生共鸣，将自己的情感与音乐中的喜怒哀乐相连接，随着音乐的起伏而波动。如听到悲伤的音乐可能会联想到自己的痛苦经历而落泪，听到激昂的音乐则会感到热血沸腾，这个阶段更加注重个人情感的投入和体验。
理智欣赏阶段
欣赏者不仅能感受和体验音乐的情感，还能运用自己的知识和理性思维，对音乐的结构、形式、创作背景、作者意图等进行深入理解和分析，如了解一部交响曲的曲式结构、和声运用，以及作曲家创作时的时代背景和个人经历等，从而更全面、深刻地领悟音乐的内涵和艺术价值。
音乐审美的效应主要有以下几点：
心理效应：可以缓解压力、放松心情，使人获得愉悦和满足感；还能激发情感，帮助人们宣泄情绪、表达内心的感受；同时，丰富的音乐审美体验有助于培养创造力和想象力，让人在音乐的启发下产生新的思维和灵感。
教育效应：通过音乐审美，人们可以学习到不同的文化、历史和价值观，拓宽视野，增强文化素养；还能培养审美能力和艺术鉴赏力，提升个人的综合素质；对于学生来说，音乐审美教育有助于促进其全面发展，培养良好的品德和情操。
社会效应：优秀的音乐作品能够跨越语言和文化的障碍，促进不同民族和国家之间的交流与理解；在集体的音乐活动中，如音乐会、合唱等，还能增强人们的团队合作精神和社会凝聚力；此外，音乐审美也可以推动音乐产业的发展，创造经济价值。
2.阐述外耳中耳内耳的主要功能
外耳的功能
收集声波：耳廓呈漏斗状，能收集周围环境中的声波，并将其汇聚到外耳道，使声音更集中地传入耳内。
声音定位：两侧耳廓的协同作用，可帮助人们判断声音的来源方向，以便更好地感知周围环境中的声音变化。
保护耳道：外耳道皮肤上的耳毛和腺体分泌物，如耵聍，能够阻挡外界灰尘、异物等进入耳朵深部，减少耳部感染和损伤的风险。
中耳的功能
传导与放大声音：鼓膜将外耳道传来的声波转化为机械振动，通过三块听小骨（锤骨、砧骨和镫骨）组成的听骨链，将振动传递到内耳，并在传递过程中把声音放大，使内耳能更有效地接收和感知声音。
平衡气压：咽鼓管连接鼓室和鼻咽部，平时处于闭合状态，当吞咽、打哈欠等时开放，可调节鼓室内外的气压平衡，使鼓膜能正常振动，保证声音的传导。
保护内耳：鼓膜作为外耳与中耳的分隔，可阻挡部分过大或有害的声波进入内耳，对内耳起到一定的保护作用；同时，中耳内的一些结构和机制也能在一定程度上缓冲和减弱过强声音对内耳的冲击。
内耳的功能
听觉功能：耳蜗是听觉感受器的所在处，可将传入内耳的声波振动转化为神经电冲动，经蜗神经等传导至大脑皮层的听觉中枢，从而产生听觉。
平衡功能：前庭和半规管是位觉感受器的所在处，能感受头部位置的变化、直线运动时速度的变化以及头部的旋转变速运动，将这些信息传递到中枢神经系统，通过一系列反射来维持身体的平衡。
3.音乐情绪的产生
音乐情绪的产生是一个复杂且多维度交互作用的过程，涉及音乐本身的元素、听众的生理和心理机制以及个体的认知和经验等多种因素。
音乐元素引发情绪：音乐中的旋律、节奏、和声、音色等元素是引发情绪的直接因素。旋律的高低起伏、节奏的快慢强弱、和声的和谐与冲突、音色的明暗变化等都能够传达出不同的情感信息。例如，欢快的旋律通常采用明亮的音符和活泼的节奏，让人感到愉悦和兴奋；而缓慢、低沉的旋律则可能引发悲伤、沉思的情绪。
生理与心理机制影响情绪：从生理层面看，当人们听到音乐时，声音刺激会通过听觉神经传导至大脑，激活大脑中的杏仁核、海马、前额叶皮层等与情绪相关的区域，同时促使多巴胺、血清素等神经递质的释放，从而产生快乐、放松等情绪体验。从心理层面讲，人们对音乐的喜好、个人经历、文化背景等会影响对音乐的情绪反应，相同的音乐对于不同的人可能引发不同的情绪，个体在欣赏音乐时会将自己的情感和经历投射到音乐中，产生共鸣。
认知过程塑造情绪：认知在音乐情绪的产生中也起着重要作用，人们对音乐的理解、预期和评价会影响情绪的体验。当音乐符合或超出听众的预期时，会带来愉悦和满足感；反之，如果音乐与预期不符，可能会引发负面情绪。此外，对音乐的文化内涵、创作背景等的了解也会加深对音乐情绪的理解和感受。
综上所述，音乐情绪的产生是音乐元素、生理心理机制以及认知过程相互作用的结果，这种情绪体验丰富了人们的精神世界，使音乐成为一种强大的情感表达和沟通的艺术形式。